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grosses productions de l’année
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Résumé et avis sur les 3 plus grosses productions de l’année !

Godzilla vs Kong

Godzilla, cinq ans après avoir vaincu le roi Ghidorah, semble être devenu fou : il attaque les bureaux d’Apex Cybernetics dans diverses parties du monde. King Kong, en revanche, a énormément grandi par rapport à la dernière fois qu’on l’a vu, dans les années 70, mais il s’est quand même retrouvé en captivité : il est en fait emprisonné sous un dôme gigantesque sur Skull Island, où le seul qui sait comment l’apaiser semble être une fille sourde et muette, la seule survivante de la tribu indigène de l’île. Pour arrêter Godzilla, le patron d’Apex convainc un scientifique qui a développé la théorie de la Terre creuse de mener une expédition dans les profondeurs les plus reculées du sous-sol, avec une technologie d’avant-garde et avec King Kong. Godzilla continue cependant ses attaques et l’affrontement avec le giga-gorille semble inévitable..

Un net pas en avant par rapport à l’échec Godzilla II – King of Monsters , principalement dû à la mise en scène d’Adam Wingard, joueur, inventif et ensoleillé, qui essaie avant tout de s’amuser avec ce sideshow titanesque.

Balayé le sérieux du chapitre précédent et ses couleurs désaturées du film DC Comics de Zack Snyder, Godzilla vs. Kong embrasse les néons de Hong Kong, comme Guillermo del Toro l’avait déjà fait dans Pacific Rim. Par ailleurs, le grand affrontement final est précédé de deux autres « pièces maîtresses » inventives : la première en mer entre navires, porte-avions et jets, la seconde dans la descente vers la Terre Creuse, une jungle primordiale peuplée d’une mégafaune insidieuse. Si le film était jusque-là de la science-fiction, dans Hollow Earth on regarde plutôt du fantastique, où King Kong est une sorte de Conan le barbare, qui ouvre une grande grotte et trouve un trône et une arme « magique ». Mais la menace à laquelle il sera confronté est plus insidieuse que même le puissant Godzilla, il est en fait le plus effrayant de tous les adversaires du roi japonais des monstres : une création humaine complètement hors de contrôle.

Comme le dit si bien Jeff Denis du web mag Blu News « Tant qu’il y a des monstres sur scène, tout va bien », mais le point de vue humain, qui était au centre de la, est maintenant réduit à un cadre risible, submergé par un fantasme de plus en plus poussé qui pourrait se passer entièrement d’hommes minuscules. Le front des méchants (avec Demián Bichir) et l’équipe de scientifiques – avec Alexander Skarsgård, Rebecca Hall, l’enfant sourde-muette et le cadre arrogant et ambitieux joué par Eiza González – et les garçons rebelles dirigés par un théoricien du complot et podcast – avec Brian Tyree Henry et le retour de Millie Bobby Brown du film précédent – ils ne parviennent qu’à mal s’étirer et compliquent souvent inutilement une intrigue déjà alambiquée. Même les acteurs de haut niveau sont impuissants face à des dialogues aussi connus et embarrassants et, bien sûr, toute action héroïque qu’ils entreprennent ne peut faire face à la spectaculaire d’un affrontement entre des bêtes aussi hautes qu’un gratte-ciel.

Encore plus que dans Transformers de Michael Bay, les parties avec des humains ressemblent à quelque chose d’un dessin animé pour enfants, mais ils n’ont probablement pas vraiment besoin de cette ancre pour profiter d’un film de choc méga-monstre non plus. Certes pour les adultes elles ont pour effet de rappeler combien on perd son temps, en attendant que les ultra-coups reprennent.

Dans des combats de poings entre poids lourds, Wingard fait ressortir son meilleur et nous ramène à la violence démesurée de ses meilleurs films, You’re Next et The Guest , faisant oublier la ternissure dont il a été victime ces dernières années avec la moche Blair Witch et le flop deDeath Note – Le carnet de la mort pour Netflix – vu par beaucoup, semble-t-il, mais certainement détesté par tout le monde.

Nobody

Hutch mène une vie ordinaire avec un travail ennuyeux, une femme et deux enfants. La routine semble lui peser de plus en plus et, lorsqu’un couple de voleurs fait irruption chez lui, il démontre la capacité de les désarmer mais aussi la nécessité de contenir la violence. Cela le fait passer pour un perdant dans l’Amérique de la prolifération des armes à feu et de la défense de la propriété privée. Sa frustration atteint un point de non-retour lorsqu’il apparaît que les voleurs ont volé un bracelet à sa plus jeune fille. Hutch dépoussière les réalisateurs de sa vie antérieure et les poursuit. En proie à l’adrénaline, il marche également sur un groupe de brutes russes dans un bus, ignorant qu’ils sont liés à un dangereux patron…

Le scénariste John Wick, Derek Kolstad, recycle son sujet le plus abouti, dans une touche encore plus exagérée. Le protagoniste est en fait Bob Odenkirk, loin d’être une star de l’action, et son plaisir dans ce contre-casting est contagieux.

On a presque l’impression de voir le « pitch meeting » de Nobody avec Kolstad qui a dû dire quelque chose de semblable à : « C’est John Wick mais avec un vieux qui donne bien les coups ». Et bien sûr, vu le succès de la franchise avec Keanu Reeves, voilà que le film a tout de suite pris vie, confié au réalisateur de Hardcore à la montée d’adrénaline, une action complètement subjective d’il y a quelques années.

Les similitudes avec John Wickelles sont si marquées qu’elles s’avèrent immédiatement être une sorte d’auto-parodie : le tueur à la retraite est réveillé par une invasion beaucoup moins grave de son domicile, où personne n’est blessé et pour cette raison il est moqué par les voisins. Cependant, un bracelet représentant un chaton, un animal comme le chien de John, est apparemment volé. Dans les deux films, il y a une bande de jeunes Russes qui sont humiliés par le protagoniste violent et qui obligent un chef du crime à riposter. Si John n’a qu’un directeur d’hôtel Continental à ses côtés comme allié, avec une couture à toute épreuve, Hutch se tourne plutôt vers un ancien contact et son père, un résident d’une maison de retraite.

Au combat, Hutch est moins élégant que John : il ne peut souvent pas éviter les coups, mais la douleur semble être une incitation pour lui à continuer à se battre, avec un enthousiasme presque masochiste, comme si les coups qu’il a reçus finissaient par le secouer de l’ennui d’une existence. .ordinaire. La morale du film est là : un accro à l’adrénaline retombe dans son étau avec un élan autodestructeur.

Presque une satire de la “masculinité toxique”, étant donné que tous les personnages importants du combat sont précisément des hommes et regrettent les moments où ils se sont tirés dessus dans la nature ou se sont brisés le visage. Même l’antagoniste russe est fondamentalement du même genre : malgré une vie luxueuse, il devra s’avouer qu’il n’a pas la barbarie de l’action.

La principale différence avec John Wick réside dans l’évidence de l’instinct de mort qui guide les personnages, loin d’être convaincus qu’ils peuvent en sortir vivants ou intéressés à se sacrifier noblement. Hutch et ses alliés, ainsi que ses ennemis, semblent trouver un sens à la vie uniquement dans le risque ou l’étreinte de la mort.

C’est pourquoi le choix d’Ilya Naishuller de tout emmener vers un registre de plus en plus excessif et ridicule est effectif, où la fin va du genre action à la vraie farce, avec un soulignement de l’action qui ne regarde pas la plasticité et les poses héroïques, mais plutôt à Looney Tunes et slapstick. Bob Odenkirk, qui a la verve d’un grand comédien, est donc un parfait interprète pour ce type de spectacle.

De la même manière, Michael Ironside, qui incarne le père de Hutch, s’intègre parfaitement et remet ironiquement sa carrière de dur à cuire, prêt à aller dans le feu plutôt que de vieillir davantage dans une maison de retraite. Et il y a aussi de la place pour le rappeur RZA, qui aussi en tant que réalisateur avait épousé la cause d’une action entre arts martiaux et couleurs pulpeuses dans L’Homme aux poings de fer . Dans la folie séduisante de Io sono, nul ne doit donc au moins reconnaître la cohérence amusée des choix de production

Spirale : L’Héritage de Saw

Lors du défilé du 4 juillet, un policier est kidnappé et se réveille prisonnier d’un mécanisme qui lui donne deux possibilités : mourir écrasé par un train ou se sauver en se coupant la langue. Il s’agira du premier d’une série de meurtres perpétrés par un tueur en série qui s’inspire de Saw et entend nettoyer la police en éliminant les éléments les plus corrompus. A la tête de l’enquête se trouve Zeke Banks, un détective homicide irréprochable mais aux méthodes peu orthodoxes, et donc détesté de tous : l’un après l’autre il verra ses collègues mourir atrocement torturés, jusqu’à ce que le cercle se resserre sur son père Marcus, ancien chef de département. Retraité et tenu pour responsable de la dégradation morale de la ville

Nouveau redémarrage de l’une des sagas d’horreur les plus prolifiques de tous les temps, qui après l’inutile Saw – Legacy , a à son tour repris le Saw 3D défini – Le dernier chapitre , imagine un nouveau tueur en série avec un logo et un masque modifiés, mais la même méthodologie et la même férocité .

Il semble que l’idée d’un renouveau déguisé de Saw, avec la spirale comme nouvelle icône de la folie moralisatrice du tortionnaire tueur en série, soit venue à Chris Rock, qui interprète le film dans le rôle de l’over-the- grand policier Zeke, désireux d’entrer dans l’univers horreur-détective d’une saga qui remonte à 2004 et compte huit films.

Dans ce redémarrage qui déclare sa filiation dans le sous-titre (“From the Book of Saw”, dit la version originale, comme s’il y avait une aura littéraire à récupérer) presque ou rien ne change, à part le logo et le masque de l’assassin dans les vidéos habituelles : le masque porté par le mystérieux purificateur est une tête de cochon et sa voix modifiée électroniquement est un gémissement chantant et obsessionnel. .

Pour le reste, on est confronté à l’habituelle séquence de débordements baroques et gore typiques de la saga, avec des machines de torture désormais complexes de manière paroxystique, et l’absurdité tout aussi habituelle d’un scénario plein de trous qui défie toute tentative de reconstruction logique de l’intrigue.

Les deux caractéristiques fondamentales de Saw, d’une part la brutalité scientifique du tueur en série (qui prévoit un contrôle total de l’aléatoire et se concentre sur une logique mathématique qui rend encore plus sadique le plaisir voyeuriste d’attendre et d’observer la mise en scène d’une mort atroce) et d’autre part l’obsession puriste des représailles est respectée de manière servile et scolastique.

Réalisé par Darren Lynn Bousman, auteur de Saw II – La solution de l’énigme (2005), Saw III – L’énigme sans fin (2006) et Saw IV (2007), compile le travail alimentaire habituel toutes accélérations, montage frénétique, détails bruts, ellipses sur les plus belles, tons sombres et faisceaux de lumière très 90’s et rythme d’un épisode sériel, agrémenté d’une fin ouverte qui laisse place à on ne sait quelles suites. Administration ordinaire, bref, avec Chris Rock seul à sortir du sens général de la reproduction mécanique, en partie dans le rôle du policier en crise et dans la fin engagée malgré lui dans le maillage parfaitement construit du tueur en série. , véritable saga démiurge et « auteur ».

Sur qui se cache derrière la tête de cochon bien sûr on ne se prononce pas, mais on se borne à suggérer qu’on fasse attention à la manière dont la dynamique des meurtres se répète toujours – ou peut-être pas…

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